Técnicas utilizadas no Renaissance Art

A precisão matemática da perspectiva linear arquitetônico, aplicado à pintura, permitiu artistas do Renascimento para criar uma sensação de real dimensão em seu trabalho. Pintando assuntos de modo que eles se tornaram menores e apareceu a desaparecer na distância, artistas profundidade e a ilusão de arredondadas, formas inteiros para paredes de estuque planas ou de lona. As pinturas parecia vir vivo, para mostrar a vida e as pessoas reais, formas pintadas não bidimensionais. bordas borradas no objetos distantes imitou o efeito da atmosfera sobre o que os olhos podiam ver. cores vivas em primeiro plano, desaparecendo gradualmente em azuis mais escuras e verdes no fundo, aumentou a vista "distante". Outro truque perspectiva, em perspectiva plana, separa uma tela em aviões. Em Leonardo da "Mona Lisa", o primeiro plano, é a figura colorido, no plano médio, um corte distinto de árvores de castanho e verde, e o plano distante é na maior parte azul.

técnica do afresco era um resquício da pintura medieval que foi amplamente utilizado para decorar igrejas renascentistas, edifícios públicos e moradias - Leonardo da "Última Ceia", criado em uma parede do refeitório em Milão, é uma experiência com forma fresco verdadeiro. A técnica exige pintura directamente no emplastro fresco, húmido assim que a cor seca à direita na parede endurecido. Leonardo tentou pintura em camadas na parede seca - fresco a secco - como técnica de têmpera de ovo sobre um painel de madeira ou lona, ​​o que significava o seu trabalho rapidamente começou a rachar e floco. Fresco era mais popular em cidades mais secas como Florença do que no úmido úmido de Veneza, onde gesso desmoronou e se desintegrou.

A adoção do petróleo como um meio de pigmento, em vez de têmpera de ovo tradicional, desencadeou uma explosão de cor e inventivos refinamentos na pintura que não eram possíveis com os meios de secagem mais rápidos. tinta a óleo era translúcida e brilharia, jóia-como, na tela nas mãos de um mestre. Petróleo poderia ser trabalhado e retrabalhado antes de secar, e que os artistas levaram a experimentar com uma ampla gama de pigmentos recentemente disponíveis. Os comerciantes de pigmentos, chamados vendecolori, negociados em cores exóticas, como vermelhão, azurita, cochonilha, lápis-lazúli, índigo, garança, malaquita e várias resinas de árvores a partir de locais distantes tão distantes como China, Camboja e Índia.

arte renascentista não era sem suas rivalidades e desentendimentos. Disegno, o que significa desenho em italiano, foi o cerne da criação artística em Florença, onde a arte era um engajamento intelectual e uma tentativa cuidadosa para capturar os verdadeiros contornos da natureza foi premiado. A perfeição do desenho foi igualado com uma capacidade divina de criar em todas as formas de arte - pintura, escultura e arquitetura. Michelangelo foi um dos florentinos que arrancavam seus projetos em pergaminho ou de papel antes de transferir a imagem para a tela e pintá-la. Em Veneza, colorito - cor e sua aplicação - transmitiu a vívida paixão, confuso da vida através da arte. Colorists como Titian preferida a abordagem mais naturalista para fazer arte: estratificação, misturando e melhorando pigmentos directamente no Canvas- então amolecimento das bordas para remover toda a evidência de aplicação para as suas pinturas incandesceriam como se vivo.

O esforço para fazer arte natural através de precisão levou a dissecções clandestinos de cadáveres de artistas em uma tentativa de compreender a musculatura e estrutura óssea do corpo humano. A poderosa Igreja Católica Romana, juntamente com convenção social, considerada dissecção ser uma profanação, de modo artistas adquiridos cadáveres e realizou seus estudos de forma encoberta. O estudo da anatomia foi particularmente ávido entre os florentinos - Michelangelo e Leonardo foram apenas dois dos artistas que exerciam um bisturi antes de um cinzel ou pincel. O que isto significa para a pintura foi um aumento da demanda de patronos de arte para o domínio do corpo humano e descrição precisa dos ossos e músculos sob a pele.

arte pintada é de dois dimensional- claro-escuro visualmente engana o olho em ver três dimensões e uma representação mais realista da vida. Chiaroscuro, italiano para "light" e "escuro", é exatamente isso - o uso de luzes e sombra para simular a queda de luz em um objeto tridimensional. Um pintor imagina luz sobre seu assunto, em seguida, destaca o hot spot, onde a luz atinge mais intensamente com o pigmento mais leve, geralmente de cor branca. Sombras estender e aprofundar a partir das formas pintados de acordo com a sua relação com a fonte de luz. pintores do Renascimento italiano Leonardo e Rafael fez uso frequente de claro-escuro. No século 17 Amsterdam, Rembrandt ganharia fama duradoura de seu habilidoso uso desta técnica renascentista.

sorriso "de Mona Lisa" não é a única coisa misteriosa sobre ela. A pintura é um exemplo clássico da técnica sfumato - pintura a óleo em que as cores são suavemente misturadas e atenuada para apagar transições e subtilmente chamar a atenção de escuro para claro. Sfumato utiliza vários esmaltes translúcidos para alcançar este efeito - uma espécie de tratamento fumado, obscura sem arestas ou linhas visíveis. A técnica cria um véu de sombra see-through que escurece as cores mais brilhantes e suaviza os tons mais escuros. Correggio, Leonardo e Rafael sutilmente alisou suas pinturas com a técnica sfumato.